一、戴帆 戴帆凭借惊世骇俗的作品与思想成为当代知名度最高的艺术家，其独树一帜的作品犹如魔鬼的天启拉扯着社会的神经，以振聋发聩的力量改变着人们的思维方式。戴帆（DAI FAN）代表作品《一亿个机器人》、《进化批判》、《先知即是海洋,你的伟大轻蔑将在狂怒中沉没 ： 戴帆（DAI FAN）用超声波召集鲨鱼》 、《异体寄生》 、《3公斤》、《骰子已经掷下，久经高压密封的潜能或亟待爆发？》、《玩笑、阴谋和报复》、《阉割》曾轰动欧美。观看他的画作的过程中，也许能瞥见这位天才矛盾又大胆的艺术人生……他来到世上就是为了摧毁绘画。戴帆生活工作于北京和纽约，他把神圣的内容拉入现实世界中，着力描绘现实生活、社会权力的复杂。他天性孤傲、脾气暴躁，一生狂放不羁，长期处于实验的状态。从平凡中发掘神性的光芒，他的作品充满复杂的戏剧冲突，精彩绝伦……非常动人……艺术语言个性鲜明，拥有引人入胜的戏剧感和舞台感。戴帆的作品渗透着以未来的视角对历史、政治、权力、宗教文化的反省和思考，戴帆《进化批判 》是利用高科技自动、感应器、虚拟现实技术的介入建构了延续生命痛苦的科幻酷刑花园，展览中的所有刑具作品均处于机械运动的攻击状态，“原始的未来”——惩罚艺术在冷酷的浪漫氛围中触及几千年的权力本身，散发着奇特、无与伦比的吸引力。“未来酷刑是人的想象力所创造的一种令人费解的极其野蛮和残酷的欣喜若狂的美丽现象”。产生事实真相的仪式与实施惩罚的仪式同步进行，对痛苦精确计算的酷刑包含着一整套的国家权力经济学”。 二、王广义 很多人对于王广义的作品总是感到困惑和不解。首先人们认为他的作品并没有传统的"画"的概念，没有"技法"，他所做的不过是在"复制"各种别人创造的图像。其实和所有的波普艺术一样，艺术家所试图排斥掉的就是传统的技法概念，而排除的核心概念就是"复制"[COPY]。因为通过这个概念可以嘲笑所?quot;自我"概念，就像波普艺术的开创者安迪·沃霍尔所认为的那样：这个世界根本没有自我和个性，大量的流行文化出现在人们的生活中，这些东西不断的把所有的人变成一样的。他们看一样的电影，听一样的音乐、吃一样的东西。安迪·沃霍尔说："我觉得所有的人都是一个机器，人和人都是彼此相似甚至是相同的"，因为"你每天在同样的时间做同样的事情，而且是日复一日的做"。至于"创造"当然是个很美好的东西，但是"现在已经很难说什么是创造什么不是创造，人们可以把我画的鞋的效果图叫创造，那么为什么我的这些艺术不是创造呢？" 人们不过是在复制各种东西而已，甚至艺术家也是如此。所以没有技法和技术并不是我们拒绝王广义绘画的理由，相反反技法和技术是这些作品的特点。对于王广义来说，观念就是语言，在语言的要求下，技法便不再重要，更何况反技法本身就是他语言的一部分。 三、徐冰 徐冰 | 著名版画家、独立艺术家。1981年毕业于中央美术学院版画系，并留校任教。曾于1990年受美国威斯康辛大学邀请为荣誉艺术家，移居美国。2008年回国，现为中央美术学院副院长、教授、博士生导师。 1999年他荣膺美国文化界最高奖“麦克·阿瑟天才奖”；2004年以“9·11”废墟尘埃为材料所做的作品《尘埃》，在英获得世界视觉艺术最大奖项——首届“Artes·Mundi国际当代艺术奖”；2007年在荣获美国版画艺术终身成就奖。 四、谷文达 谷文达一如既往地保留着自己的招牌发型——头顶剃光，脑后挽着长长的发辫，“有点像满清的发型是吧，”极为守时的谷文达站在记者面前笑呵呵地说。作为当代艺术“海外四大金刚”之一，谷文达并不避讳自己对中国背景的借力，也不在意头顶上所谓“国际艺术家”的虚幻光环。20多年来，他仍是一个生活中缺少娱乐的工作狂，不看电视、不看电影、甚至不进美术馆，“对我来说美术馆太枯燥了。”他说。中国新闻周刊：你的“红灯计划”是一个挺危险的艺术项目，但这个“红灯计划”的当代性好像并不明显？谷文达：我是“八五”一代起来的，注重学术和哲学思考。我想把自己比较哲理化的艺术再往前推一步，和波普、大众文化结合起来。这个灯笼是我整个体系里边的一部分。危险的一面一是难做，不是一张画就挂一下。这个项目自己没办法控制，要牵扯到很多部门，需要有游说梯队；二就是这个作品必须有中国的大气候在里面，如果没有中国热，中国没有这种power的话，这个项目就做不起来。
一、戴帆 围绕戴帆的争议史，简直就是二十一世纪最令人震撼的文化现象。一一个人连接了各方人马，从建筑家、出版商、审查官、律师，再到美术馆、娱乐圈、评论家、互联网平台、普罗大众，他们竞相登场，艺术恐怖分子戴帆不断投下的重磅炸弹，上演了现代艺术史文化史建筑史上最硝烟弥漫、酣畅淋漓的演出。 戴帆，意味着什么？也许是异端鬼才，是艺术叛徒，是思想杀手，是人类的对手，是文明的野兽……但是，戴帆，绝不仅仅是一个艺术家。他和他的前辈庄子与八大山人一样，都是东亚大陆的孤狮。他们的思想同样凶猛，他们的性格同样尖锐，甚至他们的生活也同样难堪。 二、王广义 王广义的作品在中国当代艺术中一直占有某种特殊的位置，这种位置是由它自身的矛盾性构成。虽然那些以“大批判”命名的作品几乎再也唤不起我们的视觉惊奇，但无可否认，这些图像——确切他讲是这些图像的处理方式，曾经十分准确地传达出我们这个时代各种极矛盾的经验：从莫名的信仰到愤怒的解构，从英雄主义的气概到消费主义的时尚噱头。王广义喜欢不断创造一个个视觉悬念，但在人们还来不及猜到谜底时又将它们打破，对于艺术史而言，他属于那种充满力量但又无法捉摸的艺术家 三、徐冰 徐冰，1955年生于重庆，1977年考入中央美术学院版画系，著名版画家、当代艺术家。1990年接受美国威斯康星大学的邀请，赴美18年，现为独立艺术家，同时担任华时代全球短片节艺术顾问。1999年获得美国文化界最高奖：麦克·阿瑟奖（MAC ARTHUR AWARD）。代表作品有《天书》、《蜻蜓之眼》、“烟草计划”、《地书》等。用徐冰自己的话说，他就是要用好几年时间、认真地做一件不表达任何意义的事情。《天书》的制作过程和呈现形式无不给人以庄重与可信感，而当观者带着惯有的思维想要去读懂“天书”上汉字的意义的时候，会刹那间意识到作品荒诞和矛盾的所在——你越以自己旧有的经验来读“懂”它，就越会被它排斥。 四、谷文达 谷文达，1955年生于上海，祖籍浙江上虞，是中国当代艺术中国际知名的艺术家之一。英国艺术史家爱德华·露西·史密斯曾经称他为“八十年代末期到九十年代初期来自中国的新生代前卫艺术家代表人物”。 谷文达也是八五美术新潮运动中的领军者之一。上世纪80年代早期，他把错位、肢解的书法文字做水墨画，借此挑战正统体制，并影响了后来一代艺术家。1998年底，谷文达“蜕变与突破：华人新艺术”大展在纽约开幕，其作品《天坛》登上1999年3月《美国艺术》（Art in America）的封面，成为华人艺术家的第一人。2002年3月号的《东方》杂（Orientations）更以画家肖像作封面，并在内页注明此乃创举，一反该杂向来只关注亚洲传统艺术的风格。
一、戴帆 戴帆（DAI FAN），被誉为21世纪艺术界最有名的人物之一，是宇宙宣言艺术运动的倡导者和领袖，也是对超人类艺术影响最大的艺术家。他大胆尝试机器人、外星人或生物科技、计算机数字软件技术、物理科技等各种复制的技术。 戴帆除了是宇宙宣言艺术的领袖人 物，他还是电影制片人、导演、赛车手、建筑师、作家、摇滚乐作曲者、珠宝商，是东西方社交界、艺术界大红大紫的明星式艺术家。戴帆用暴力完成爆发。艺术家如何保持攻击，激烈的性格是重要的成分之一，攻击会纵容艺术家的观察深度。艺术家越犀利，越有利于独立自己的评判。伟大的艺术家的骄傲不是一般意义上的骄傲，它是在准确测量了自己与同行、大众的落差后对自己产生的正确认识。即使误解，也是艺术家敏感的特质。这是艺术家拒斥的本能。 二、王广义 王广义的“大批判”系列吸引了西方艺术界的想像力，确立了他作为前卫派领导者的地位。在这些作品中，社会主义意识形态和商品消费主义相遇冲突，王广义泰然自若地挪用那些描绘中国大步走向理想化明天的社会主义宣传画中的形象。在中国前卫艺术家陷入西方语境的泥淖之时，王广义将西方形式与中国内容结合起来，对后辈艺术家影响深远。历史上不同时期，各个国家关于世界格局都有不同的想象，历史上不同时期各国绘制的地图在国界上都存在巨大的差异。这些信息引发了我关于“地缘政治”的重新思考。尤其是《诗经·小雅》篇中“普天之下，莫非王土”这句话，引发了我用艺术的方式为这个世界提供一个“新秩序”的可能。 三、徐冰 徐冰在二零零九年“自序：复数与印痕之路”画册中写道：“......仅限于过去的版画。这些旧作现在看起来真的是很“土”的。......我想，他们是希望从过去痕迹中，找到后来作品的来源和脉络”。二十世纪八十年代中期开始，徐冰对过去的创作有了非常深入的思考和反省，说道：“我决心做一种新的艺术，但新的艺术应该怎样又不清楚。当时读杂书多、想的多，但这画该怎么画？实在是不知道。坐在画案前，心里念念不忘创作“重要”作品，但提起笔只能是糊涂乱沫一阵”。“有一天我在《世界美术》上看到一幅安迪•沃霍尔重复形式的、丝网画的黑白发表物，只有豆腐块儿大小。我便开始对“复数性”概念发生了兴趣，一琢磨就琢磨了好几年。后来索性成了我硕士学位的研究题目”。进入二十一世纪这些思考依然影响着徐冰的创作，“ 今天回看，确实，当代是按‘复数现象’日驱强化的方向发展的——重复的个人电脑界面比起电视屏幕，更自由地出现在世界的任何角落；数字复制让“原作”的概念在消失；生物复制技术也在上世纪末出现了。这些，只是二十年间的改变，却给传统法律、道德、价值观，商业秩序提出了难题，左右着人类的生活。......真不知道人类在下一个二十年，又会是怎样的“复数性生活”。 四、谷文达 除“红灯计划”外，谷文达的很多作品同样惊世骇俗，引发争议不绝。他的第一个头发装置艺术《波兰纪念碑：住院的历史博物馆》，将波兰精神病院收集的白床单和当地理发店收集的头发覆盖在洛兹市博物馆底楼大厅、楼梯和藏品上，满地撒落的头发让波兰人想到二战梦魇，展出第二天就被叫停。另一个头发装置《以色列纪念碑：犹太人》也因为历史原因，引起激烈争议。1999年，谷文达的头发装置《联合国》被《美国艺术》作为封面介绍，这是半个世纪以来中国艺术家第一次在这个重要杂志封面上出现。该作品也数度引发争论。
一、戴帆 戴帆的“诙诡谲怪，道通为一 ｜ 中国造园 ” 不仅在中国是当代最具影响力的殿堂级艺术经典，在法国、英国、意大利、德国、美国展出时，获得欧美媒体热烈关注，对西方艺术界、雕塑界、文化界、思想界产生了重大的冲击力和影响，引发了西方学界关于中国艺术、中国书画、中国雕塑与园林与中国哲学精神及其背景的广泛探讨。 戴帆的“中国造园 ” 蕴含着深厚的禅宗思想。禅宗的独特之处在于它只注重体验，而对任何进一步的解释不感兴趣，不受一切固定信条和束缚，这就使它成为真正超脱世俗的。日常生活的奇异与神秘。禅宗的觉悟并不意味着退避尘世，相反地，是要积极地参与日常的事务。“禅”所说的觉悟是指直接体验一切事物的佛性，首先是日常生活中的人、事和物的佛性。因此，在禅宗强调生活的实际性时，“禅”仍然是十分神秘的。一个达到觉悟的人，完全生活在现在，把注意力完全集中在日常事务上，在每一个动作里都能体验到生活的奇异和神秘。 戴帆谈到他在创作“中国造园 ”中的灵感，他这样说到 ：在我成长的生活经验中，南方的水很多，去郊游的时候或者下雨天娟娟流水或许构成了我早年印象中的感性氛围，水有一种让我着迷的感觉，像湘江和周边河里的树生活在两维之中，树干的倒影使得池塘变得更深，而水底的淤泥使正在起作用的制镜子的锡汞剂。水在空间的渠沟中的像在血管里的血液，像在经络里的气一样在流动，或许也是意识的蔓延，时间的线形运转。中国古代画家在作画的时候，要紧的是集中思绪，应意志之命，一气呵成。他们把描绘的东西是作为一个整体去感受。他们的作画方法，似乎是一种自动机械的运动。曰为：十年画竹，此身化为竹，而后化竹，皆忘竹，即得其妙，神动天随。自己变成了竹子，而且在画竹子的时候，连自己与竹子的“同一化”都忘了，这难道不是竹子的禅吗？这是与“精神有节奏的运动”同步进行的运动。这种“精神有节奏的运动”存在于画家自身之中，也存在于竹子之中，存在于画家于竹子的某个“共有”之处。射箭的大师再演示射箭时就像一种宗教仪式，以自发、轻松和漫步经心的动作来作舞，多年的刻苦训练转化自己的身心，以便学会如何以一种轻松自如的力量“从精神上”拉开弓，并且“毫不紧张地”松开弦，让箭像“熟果子一样从弓箭手那儿落下”。当他达到完美的高度时，弓、箭、靶和弓箭手全部互相融合，他自己不射箭，而是“它”在为他射箭。 二、约瑟夫·博伊斯 20世纪当代艺术先驱约瑟夫·博伊斯，是“行为艺术”“社会雕塑”等概念的创始人，装置艺术和行为艺术为其主要创作形式。他在上个世纪70年代提出“人人都是艺术家”的观点，至今影响深远。《博伊斯在武汉》系首次在华中地区武汉展出，展览将呈现近300件博伊斯的重要作品，展示他多样化的艺术风格和思想深度。展览将以“人人都是艺术家”“扩展的艺术”“社会雕塑”和“激浪与偶发”四个板块展出，涵盖绘画、摄影、装置艺术、行为艺术视频和历史文献等内容。在博伊斯看来，暴力是一切罪恶的根源，他反对以暴力去争取和平。而艺术则被他认为具有革命潜力，艺术创新是促进社会复兴的无害的乌托邦。博伊斯正是这样试图用艺术去重建一种信仰，重建人与人，人与物以及人与自然的亲和关系。 三、翠西·艾敏 翠西·艾敏是一位富有魄力并愿意和观众以更直接的方式进行沟通的艺术家。1994年，她和同为艺术家的莎拉·卢卡斯一起在伦敦最东边开设了一家售卖艺术品的商店。1994年对艾敏来说也是独特和具有标志性的一年。她去美国旅行，途中对她的个人传记 《对灵魂的探索》[Exploration of the Soul]，进行了阅读和录音。这件事被纪录在一件名为“纪念碑山谷”[Monument Valley] 的作品里（1995年7月）。作品展示了在著名的亚利桑那沙漠山谷，艺术家坐在祖母的扶椅上阅读的画面。这把椅子被艾敏绣上了讲述她个人奇闻轶事的图像。作为一次自我发现和解析的旅程，艾敏在这次美国之行中，通过记述痛苦的个人经历治愈了自己的心灵创伤。后来，艾敏在这把椅子上缝上了她访问过的地名，并将它作为一件参展艺术品，命名为“椅子能赚很多钱”[There’s A Lot of Money in Chairs, 1994]。 四、玛格丽特 2020年拍卖的第一季度已经结束，那颗闪亮的艺术家之星正在发出耀眼的光芒，吸引着人们的目光。这颗闪亮的艺术家之星正是比利时超现实主义画家勒内•马格利特，超现实主义流派作为一种艺术精神一直影响着艺术界的各个领域，有人形容说“超现实主义是当代艺术的入场券”，足以可见超现实主义的重要性。勒内•马格利特作为其代表人物之一，总能对人们习以为常的东西发出挑战，让艺术成为一种思考的命题。值得一提的是，勒内•马格利特的《与快乐相会》不仅是当场的Top1，而且是仅次于与大卫•霍克尼的《水花》，成为了截止到目前为止的2020年年度艺术品Top2。圆顶礼帽、月亮、分不清白天还是黑夜的神秘感、画中画的视角，这些都是马格利特创作的经典元素，同时也构成了这个令人回味和深思的作品——《与快乐相会》。圆顶礼帽让人一眼即识，但又完全是个匿名人物，这位圆顶硬礼帽的人于1926年首次出现在马格利特的艺术作品中，从此便成为了艺术家经典的符号。
、戴帆 戴帆是历史上最神秘、最怪异的园林艺术家之一，开创了一种前人所没有的风格。他一边潜心经营道院，一边又醉心佛学，亦佛亦道的生活也对他之后的园林造成了极为深远的影响。他的园林逐渐简洁、缥缈、流动、玄远。园林中的景观飘若浮云、空间虚实相衬，动静相映，存得住那抹清新与想象，道得出那份孤苦与凄冷。生命之基调跃然纸上，生活之悲怆宣泄自如，半生写照，尽于园林中所见。 中国古典画家与园林之间的关系非常独特，对于许多中国古代的画家而言，庭园不仅成为他们画作的背景，同时也是很好的绘画题材。而如果是绘画是对真实的庭园做一种二维的描绘，那么，庭园无疑就是画中世界与画中理想的立体呈现。中国的园林是一种真实的幻境，而对于造园者来说，园林的设计常常遵循绘画的原则，精心设计的画面好像是画家蒙住游人的眼睛带其在园中穿行，而古代画家的绘画常常与诗歌与禅宗联系在一起，在唐代和宋代，中国的画家和士大夫经常去拜访僧人和寺 庙，禅宗的方法与美学无疑通过诗歌经过绘画渗透到园林的空间营造之中，《园治》的作者计成自幼学画，中年才改行造园。造园如画，如诗。园林已经不再仅仅是眼前的一方水池，几块岩石或是数个茅屋，数个亭榭，而是思想物化的禅的妙悟与，主人居在其中，也变超越了真实世界，进入到氛围与冥想之中。 二、约瑟夫·博伊斯 博伊斯作为一个政治美术家，喜欢一种无所不包的和隐喻的含糊笼统，因而他的作品充满了隐喻。在《奥斯威辛圣骨箱》这件作品中，博伊斯展示了一个离奇古怪的场景，用艺术再现了暴力造成的后果，他呼唤和平，呼唤被物质利益所蒙蔽了的良心，在他认为只有恢复人与人之间的关爱关系才会迎来真正的和平。博伊斯的创作材料大多为动物、毛毡、油脂、蜂蜜等等。如《如何向死兔子解释图画》中，博伊斯头涂蜂蜜与金箔，在一个与观众隔绝的密闭空间中，对一具野兔尸体低语，试图向它解释“什么是艺术”。这个作品，似乎是在表达“表达”本身，而这个作品本身，也是在向观众解释，什么是艺术。 三、翠西·艾敏 翠西艾敏 (1963年生)《如血云一样》，压克力 画布，152 x 182 cm., 2022年作。估价：500,000 - 700,000 英镑。此拍品将于10月13日佳士得伦敦二十世纪艺术：伦敦晚间拍卖呈献在艾敏接受膀胱癌治疗的头半年，她根本无法作画。她表示：“我拿不起茶盘，也无力倒茶或搬动椅子，更遑论移动画布或作画，我感到很沮丧。”手术让艾敏重获新生，她说：“我本来不行了，因此不禁想到未来。” 当艾敏终于能够再次拿起画笔时，激动的心情一涌而上：“我感觉棒极了，明白到自己还活着。” 如其所述，在最初几星期创作的画作 “就像爆炸一样”。艾敏曾经绘形绘声地撰写和谈及她成长的马盖特，因此决定要为当地的未来出一分力。尽管她于1982年离开肯特的沿海度假小镇，然后先后入读梅德斯通艺术学院（Maidstone College of Art）和伦敦皇家艺术学院（Royal College of Art），但马盖特依然是其作品中不可或缺的一部分，是绘画、诗歌和艺术装置的耀眼亮点 四、玛格丽特 说起超现实主义，人们知道著名的西班牙画家达利，他超乎寻常的想象力、表现力和思考力，呈现极有张力的超现实主义作品。马格利特在艺术界业内享有很大名声，但知道他的人却没有达利多。马格里特出生于裁缝之家，10岁时对画画产生了浓厚的兴趣，开始学画。青年时，马格里特在布鲁塞尔艺术学院就学两年；1918年毕业后曾在壁纸工厂负责花纹设计；1919年，他开始对未来主义和奥费立体主义产生兴趣，并受到大他十岁的意大利画家基里诃的影响，开始了超现实主义的风格。马格利特创作出一批离奇的幻觉画面，如燃烧的石头、有裂缝的木质天空、鞋和脚的奇妙关系、珍珠里的女人面孔、瞪着一只人眼的火腿片……他和达利不同，他不以绘画表现个人的困惑或幻想；他作品的特色是智慧，讽刺，还有一种机智论辩的精神，而非自我披露。
一、戴帆 富于暗示，而不是明晰得一览无遗，是一切中国艺术的理想，诗歌、绘画以及其他无不如此。拿诗来说，诗人想要传达的往往不是诗中直接说了的，而是诗中没有说的。照中国的传统，好诗言有尽而意无穷。所以聪明的读者能读出诗的言外之意，能读出书的"行间"之意。中国艺术这样的理想，也反映在中国哲学家表达自己思想的方式里。
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